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Auguste Rodin. La historia de un artista para el recuerdo.

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El éxito no siempre te abraza en tus primeros años de trabajo y te hace triunfar dentro de tu sector, por el contrario, cuando se busca con tanto afán sin encontrarlo puede llegar a generar tal desmotivación que nos planteemos abandonar nuestra profesión, aunque esta sea vocacional.

Rodin estudió en la Escuela Imperial Especial de Dibujo y Matemáticas, la cual se convertiría en la Escuela de Artes Decorativas, en un ámbito no solo ajeno al de las bellas artes, sino además menospreciado por éstas. Tras ser rechazado en tres ocasiones para ingresar en la Escuela de Bellas Artes, buscó preparación adicional aprendiendo en talleres técnicas de moldeado, estuco y pintura. Trabajó haciendo esculturas para decoración y en la reconstrucción de París como ayudante de George Eugéne Haussman.

La primera escultura conservada del autor fue un busto de su padre que realizó en estilo neoclásico, la cual nunca expuso en vida. Dos años después muere su hermana mayor y Auguste se sumerge en el mundo de la religión, ingresando en la Congregación del Santísimo Sacramento en la que permanece durante solo un año. Uno de sus profesores en la Escuela de Arte Decorativas, Jean-Baptiste Carpeaux, lo convenció de que siguiera su camino por lo que era su verdadera virtud, la escultura; y es entonces cuando realiza la primera obra que definiría su estilo: El hombre con la nariz rota.

Siendo rechazado su alistamiento en la guerra franco-prusiana debido a su miopía, viaja a Bruselas donde procura como colaborador en la construcción de ciertos edificios de la urbe; además participó en numerosas exposiciones belgas en el extranjero, lo que lo llevaría a visitar París, quedando impresionado por la obra de Miguel Ángel.

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Hacia 1875 se produciría el hecho decisivo en su carrera como artista. Habiendo dedicado gran parte de su juventud al estudio de la anatomía, recurso conveniente cuando esculpes cuerpos, Rodin realiza la obra La edad de bronce. Debido a su perfección, se le acusó de haber sacado los moldes directamente del cuerpo del modelo, y no de la arcilla hecha por el artista (como se realiza el método de vaciado en bronce); esta acusación, indigna para cualquier artista, supuso para Rodin tener que buscar respaldo en amigos y personalidades influyentes dentro de su mundo, lo que concluyó no solo con su victoria, sino con una fama que le puso 

inmediatamente entre los artistas más importantes de París.

A partir de aquí su obra se dividió en dos grupos, la que realizaba para recibir un pago y sustentarse, denominada “alimentaria” (obras decorativas para la ciudad, sobretodo) y la trasgresora, en la que el artista desarrollaba más sus “formas de arte” y por tanto, las más trascendentales en la historia del arte.

Aún así, las esculturas de Rodin causaron el rechazo del público en prácticamente todas las primeras exposiciones. El reconocimiento positivo sólo empezó a ser palpable a partir de 1900, 36 años después de su primera exposición en el Salón de París con El hombre de la nariz rota.

 

 

Comprar ahora. El beso de RodinSin duda, una de las obras más famosas de este autor, incomprendido de su tiempo, es El pensador. Denominada originalmente El poeta, se concibió para el futuro Museo de las Artes Decorativas de París. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante en las puertas del Infirerno. Rodin deseaba mostrar en el desnudo de esta escultura a una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía, algo que también generó críticas entre los opuestos.

Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones. Todas estas se conocen bajo el nombre de original múltiple.

El pensador, o el poeta, también aparece en otra de sus obras, esta vez en la monumental La Puerta del Infierno. Este grupo escultórico mide aproximadamente seis metros de alto, cuatro de ancho y uno de profundidad. En su totalidad contiene unas 300 figuras, cuyas dimensiones varían entre los quince centímetros y más de un metro. La realizó en su propio taller durante más de 40 años, sin poder ver nunca la fundición en bronce, pues se realizó en 1920, tres años después de su muerte, por parte del Museo Rodin.

Durante sus dos últimas décadas de vida, la voluntad de Rodin se enfocó en conseguir ceder su obra al estado francés con la condición de que una parte del palacete Biron le fuera cedido como museo. Dicho proyecto fue difícil de realizar ya que el arte del escultor era incomprendido aún, pero finalmente salió triunfante de la negociación.

En el último año de su vida, Rodin redujo su actividad y se limitó a paseos cortos cerca de su casa en Meudon. Contrajo una fuerte gripe a finales de 1917 y falleció el 17 de noviembre. Sus funerales se realizaron en dicha ciudad cumpliendo la voluntad del artista, situar sobre su lápida a El Pensador.

Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar; y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear una imagen nueva a los ojos del mundo.

 

 

 

 

 

 

 

 

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La victoria de Samotracia y su historia.

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Victoria de Samotracia.

 

La diosa Niké, símbolo de la victoria en la mitología griega, siempre se ha representado como una mujer con alas. Según su historia, pasó sus primeros años de vida entre los mortales, pero al conocer los vicios de la humanidad así como la maldad, decidió regresar al Olimpo. Durante siglos, su figura estaba presidía enfrentamientos militares así como competiciones deportivas, incluso en el reverso de las medallas olímpicas aparece su figura portando una corona de laurel, señal de éxito.

En el Partenón de Atenas, la diosa griega Atenea, realizada por Fidias, ya nos muestra una representación de Niké, la cual está en su mano derecha, simbolizando la victoria en las manos de Atenea, diosa de la guerra. En la misma Acrópolis también se encontraba un templo dedicado en exclusiva a la unión de las dos diosas, construido para conmemorar la victoria sobre los persas en la Batalla de Salamina, sobre el 480 a.C.

 La Victoria de Samotracia también perteneció a la iconografía de un templo, El Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia, considerado uno de los principales santuarios panhelénicos. Situado en la isla de Samotracia, era un centro de culto al margen del culto oficial a las divinidades del Olimpo y participar en los ritos de Samotracia otorgaba la protección de la Gran Madre, reina de las montañas. El lugar conoció un periodo de desarrollo arquitectónico espectacular en la época helenística, cuando se convierte en un santuario nacional macedonio permaneciendo como emplazamiento de culto importante hasta la época romana. Después quedó abandonado y los campesinos de la zona predicaron durante siglos que la isla escondía maravillosos tesoros, algo que alentó a exploradores y arqueólogos de todo el mundo durante el siglo XIX.

<<“No es una piedra lo que aflora en la falda de la colina, sino un hombro. El cuerpo está medio enterrado. ¡Señor, hemos encontrado a una mujer!” , gritan los operarios. El joven vicecónsul francés Charles Champoiseau sonríe. Los campesinos le habían informado bien, la diminuta isla griega de Samotracia está llena de tesoros.>>

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          Detalle de plumas de Victoria de Samotracia;

Museo del Louvre, París.

El primer viaje a la isla no defrauda al  vicecónsul francés Champoiseau, que solicita y recibe un préstamo del emperador para hacer las prospecciones, llegando muy pronto su recompensa. El 15 de abril de 1863 se dirige al embajador de Francia en Constantinopla: “Hoy he encontrado en mis excavaciones una estatua de la Victoria alada (o eso parece), de mármol y de proporciones colosales. Por desgracia, no tengo la cabeza ni los brazos, a menos que los encuentre en pedazos por la zona. Entre los pechos y los pies está casi intacta, y trabajada con una habilidad que no he visto superada en ninguna de las grandes piezas griegas que conozco”.

Una vez depositadas las piezas en el Louvre, comenzaron las labores de restauración. Para asegurar la estabilidad de la estatua se insertó una barra metálica entre el costado derecho y el zócalo. También se reconstruyó la pierna derecha, que era la más dañada, pero sin embargo no se pudieron colocar ni el busto ni el ala izquierda, que no podían colgarse en el vacío, por tanto estas piezas se se archivaron, sin poder ser mostradas durante bastante tiempo.

Más de diez años después, en 1875, arqueólogos austriacos realizan nuevas excavaciones en Samotracia. Allí descubren grandes bloques grises que, correctamente ensamblados, representan la proa de un barco de guerra. Se trata de un descubrimiento magnífico, pues asociando esta figura a monedas helenísticas llegan a la conclusión, sin duda, de que esta es la base de la Victoria de Samotracia. Cuando Champoiseau recibe la noticia despliega todos sus esfuerzos para que los 23 bloques descubiertos sean llevados a París, lográndolo y efectuando así una nueva versión de la monumental escultura, ascendiendo a los casi cinco metros de altura.

Entre 1880 y 1884 se decidió recrear el monumento al completo, siguiendo el modelo sugerido por un arqueólogo alemán que también había empezado a excavar en Samotracia, Alexander Conze. De esta forma, se reforzó la estatua con una estructura de metal y se reconstruyeron partes con diversos fragmentos de mármol y con yeso, como el ala derecha, que se reconstruyó con un molde inverso de la izquierda. En 1891, Champoiseau regresó a Samotracia al mando de una expedición arqueológica con la esperanza de hallar las piezas que faltaban y la ansiada cabeza que, sin embargo, nunca logró encontrar.

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Victoria de Samotracia con navío;
Museo del Louvre, París.

 

Pero el interés por esta obra revive cada cierto tiempo, por no decir que es imperecedero, animando de nuevo a los especialistas a realizar una cuarta restauración de la obra en 2013. Tras un minucioso análisis, los expertos limpiaron la superficie de la escultura, retirando el recubrimiento que restauradores anteriores habían añadido para uniformar el tono. También se sustituyeron los antiguos rellenos en ranuras y grietas por otros de material más estable e incluso se añadió una nueva pluma encontrada en el  ala izquierda.

Tras volver al emplazamiento tradicional, la Victoria, que ahora descansa directamente sobre el navío, sigue siendo una diosa acéfala y sin brazos, pero el refinamiento de sus alas desplegadas y el contraste entre los ropajes ceñidos al cuerpo y los que vuelan libres han cobrado nueva nitidez; al igual que el ombligo y la curva del abdomen que han surgido como por encanto en el cuerpo de una mujer que se forjó para nuestro tiempo durante casi 200 años y que su vida sobrepasa los 2200 años.

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Antonio Canova. La escultura hecha realidad.

Carolus-Duran_1838-1917._Hebe_1874Antonio Canova. La escultura hecha realidad.

Posiblemente la escultura es, entre muchas artes, la menos reconocida y alabada por el público ya que, en muchas ocasiones, la sustituimos por la pintura o la fotografía. ¿Vemos la realidad mejor representada en una foto que en una escultura? La respuesta debería ser, como en muchos casos de la vida: “depende”.

Antonio Canova es, sin lugar a dudas, uno de los mejores escultores de todos los tiempos. Italiano, nació en un pequeño pueblo de la región de Véneto llamado Possagno, de apenas unos 2500 habitantes en la actualidad, donde se encuentra un museo dedicado a su obra. Desde niño comenzó a jugar en el taller de su abuelo quien, tras descubrir el talento del pequeño, no dudó en motivarlo encargándole algunos trabajos menores, en este caso altares. Su abuelo estaba patrocinado por la acaudalada familia Falier de Venecia y, a la vista de las aptitudes del joven Canova, el senador Giovanni Falier se convirtió en su protector. Pronto sus obras fueron elogiadas por su virtuosismo precoz y recibió los primeros encargos.

A la corta edad de 22 años se trasladó a Roma, centro de todo artista del momento que quisiera aspirar a la fama. La ciudad italiana era un gran museo en pleno apogeo, plagada de monumentos antiguos y grandes colecciones; era el lugar donde conformarían el neoclasicismo y, además, donde se encontraban la mayoría de las copias auténticas para estudiar de primera mano la producción artística de la época clásica.

 

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Rostros de "Las tres gracias"; Museo del Ermitage, San Petersburgo.

 

Siempre amante del arte antiguo, adoraba también la literatura clásica, la cual leía mientras realizaba sus esculturas, en incluso encargaba que alguien leyera para él. Este amor por lo clásico marcaría toda su carrera como escultor. El movimiento neoclásico no sólo supone un regreso a la Antigüedad en cuanto a temas, sino también en lo referente a las formas. El mármol y el bronce fueron la carne de los antiguos héroes, mostrando unos volúmenes suaves y, a su vez, detallados.

A pesar de sus condecoraciones y prestigios dados cuando alcanzó la fama, nunca mostró, según biografías, que el deseo de gloria personal fuese su principal objetivo. Gastó gran parte de la fortuna que llegó a acumular en obras de caridad, promoción para asociaciones y apoyo a los jóvenes artistas. En ocasiones, compró obras de arte para los museos públicos con sus propios fondos, además de colecciones de libros para bibliotecas, teniendo que ser advertido por sus más cercanos de que no gastara en demasía sus ingresos en problemas ajenos.

 

      “La forma no es la representación física de la cosa, sino la cosa sublimada, incorporada al plano de la experiencia sensorial y al plano del pensamiento. Así, Canova realiza en el arte esa misma transformación de la sensación en idealismo que, en el campo filosófico lleva a cabo Kant, en la literatura Goethe y en la música Beethoven”.

 

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Mostrando así su ideal de belleza, Antonio Canova representa un antes y un después en la escultura. Sus obras más aclamadas son fruto de una incansable iniciativa en su trabajo, se sabe de relatos de sus cercanos que durante su juventud nunca se iba a la cama sin haber diseñado, al menos, un nuevo proyecto. Esbozaba primero sobre papel un dibujo sobre la idea y luego creaba personalmente un prototipo de pequeñas proporciones en arcilla o cera, a partir del cual podía corregir la idea original.

 

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Detalle de "Psique reanimada por el beso del amor";  Museo del Louvre, París.

Forjaba así detalles minuciosos no muy propios de su época que hicieron de su producción algo único. En sus biografías se le declara un hombre muy cercano y en una entrevista sobre su trabajo así lo demuestra: “No hay nada más precioso para mí que el tiempo (…) sin embargo, cuando estoy terminando un trabajo y cuando se ha finalizado, siempre lo retomaría de nuevo y también otra vez después si fuera posible, porque la fama no está en la cantidad, sino en pocos y bien hechos; procuro encontrar en la materia un no-se-qué de espiritual que le sirva de alma, la pura imitación de la forma se convierte para mi en muerte, tengo que ayudarla con el intelecto y volver noble estas formas con la inspiración, simplemente porque me gustaría que tuvieran una apariencia de vida”.

Son estos detalles en sus trabajos por lo que podemos decir que Canova rompe con lo “visto” hasta el momento, sus esculturas evocan el tacto, la suavidad, el “calor” del mármol vivo. Quizá nos pueda recordar a la leyenda de Pigmalión, quien enamorado de una de sus estatuas soñó que esta cobraba vida, deseo llevado a cabo por la diosa Afrodita cuando éste derpertó.

La escultura, en este caso, sobrepasa los límites de lo visual. Rompe las dimensiones que observamos en una fotografía, se convierte en realidad. Tal vez si nos encontráramos frente a una de sus maravillosas obras creeríamos que las cárites (Las tres gracias) romperían su abrazo para proseguir con la función de entretener a los invitados en los banquetes de los dioses; o que, en otro caso, Psique acariciaría suavemente a Eros y, de un momento a otro, éste podría levantar el vuelo con sus delicadas alas hacia el Olimpo.

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​Descubriendo el arte; técnicas.

AltamiraBisonteDetDescubriendo el arte; técnicas.

 

La búsqueda, la creación, intentar hacer algo conformando herramientas para ello es, sin lugar a dudas, la gran diferencia de nuestra especie respecto a las que existieron anteriormente.

Cualquier persona que trabaja con materiales artísticos debe saber que la mayoría de las materias primas que utiliza fueron empleadas por civilizaciones muy antiguas, lógicamente, los actuales utensilios pasaron por un largo periodo de perfeccionamientos y avances que se introdujeron en su gran mayoría en la industrialización del siglo XIX. La mayor parte de estas herramientas y materiales, métodos y técnicas pictóricas utilizadas por los artistas provienen de la época griega y romana, y existen recopilaciones sobre sus usos escritas por los romanos Vitrubio y Plinio el Viejo.

De una forma u otra, no es hasta el siglo XIX cuando las obras de arte comienzan a llevarse a cabo casi expresamente para ser expuestas en museo y galerías. Anteriormente, el arte respondía a fines religiosos, de magia, algún ideal o simplemente para un cliente que rezaba un pedido personal o como satisfacción para el artista. Y es debido a éste último motivo, el mero anhelo del artista, por el que más ha experimentado e investigado el ser humano en busca de nuevas herramientas y materias para poder llevar a cabo sus necesidades creativas y expresivas.

 

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Bisonte de Altamira (Arte Paleolítico Superior);     

Las técnicas artísticas más antiguas empleadas por el hombre se realizaron en las civilizaciones prehistóricas sobre cuevas y gruesos abrigos, los “artistas” aplicaban la pintura fabricada a partir de grasas animales mezcladas con pigmentos sobre herramientas tales como cerbatanas, especies de plantillas a partir de fibras vegetales o tan sencillamente como sobre sus propias manos. Posteriormente también se descubren tallas sobre hueso o piedra, fruto de que descubrimos en el relieve y la dimensión una nueva forma de expresión.                                                      

Aunque la mayoría de técnicas y materiales permanecen en la actualidad en uso, las investigaciones determinan que cada civilización y cultura elaboró técnicas artísticas que se adecuaban al clima de su país, ya que la conservación de las obras no era tan sencilla como actualmente, que trabajaban con materiales propios de la zona, y que la elección de aquellas materias dependía de los fines a los que se destinaban las obras artísticas.

Podríamos decir que la acuarela es una de las técnicas más utilizadas a lo largo de toda la historia del hombre. La civilización egipcia conserva pinturas realizadas a la perfección con esta técnica, las cuales han llegado casi intactas hasta nuestros días debido a la sequedad del clima. La técnica de la acuarela era aplicada a la pared de yeso o arcilla y, poco después surgió en China sobre papel (100 a.C. aprox.). Este soporte se introdujo en España en el s.XII con la invasión islámica y pronto se extendió a Italia.

De algunas civilizaciones posteriores como la griega podemos llegar a saber más acerca de su cultura y sus procedimientos artísticos, debido a la gran cantidad de reliquias y materiales encontrados, sobre todo cerámicas y pinturas murales.

Los métodos más famosos en Grecia fueron la encáustica y otro proceso impreciso todavía desconocido en la actualidad, que pudo ser el óleo, el temple al huevo o la cera disuelta o emulsionada. Aunque esta técnica sigue siendo incierta a día de hoy, la pintura encáustica sí es conocida bien y se sabe que materiales e instrumentos utilizaron los artistas griegos. La durabilidad de estas obras está aclarada gracias a la definición hecha por Vitrubio, el cual explica: “hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y, a continuación, pulir con unos trapos de lino”.

 

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Retrato pompeyano, técnica encáustica.

 

En la época medieval empiezan a realizarse tratados y manuscritos sobre las herramientas usadas, entre estos documentos destacan incluso facturas, listas de materiales y cartas de pintores. Especialmente destaca la pintura realizada al temple sobre madera,, y sobretodo el temple al huevo; tuvo su máxima vigencia en los siglos medievales y resurgida en el Quattrocento italiano. Se utiliza agua para disolver los colores y aglutinantes derivados de emulsiones, que pueden ser: el huevo, la cola, la cera, la goma... Los colores se amasan a mano y se mezclan con el aglutinante y el agua. El temple al huevo no decolora, y es una de las técnicas más duraderas en pintura; seca rápidamente y sus colores se siguen manteniendo inalterables con el tiempo, brillantes y vivos. Aunque empezó a declinar como técnica artística muchos pintores le dieron un nuevo impulso y se empezó a utilizar sobre un nuevo soporte, el lienzo, superficie introducida junto a la técnica del óleo.

 

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Dama de Armiño (óleo y temple sobre tabla de Leonardo da Vinci)

En el renacimiento empezaron a surgir nuevos materiales y a perfeccionarse otros ya conocidos, a comercializarse nuevos pigmentos hallados en Oriente y a descubrirse nuevos aglutinantes y disolventes. Este es el caso del aceite de linaza, que se convirtió en el diluyente por excelencia de la técnica que se estaba poniendo de moda: el óleo. Entre sus ventajas destaca que era una técnica más sencilla de utilizar y menos elaborada en su proceso de fabricación. El óleo fue la técnica artística que mejor acogida tuvo en aquel momento y, aunque a veces, era utilizada como técnica que se aplicaba al final, después de haber utilizado el temple, finalmente en el siglo XVI empezó a usarse como técnica pura.

A partir del siglo XIX y hasta la actualidad el artista cada vez se ha preocupado menos por descubrir nuevos métodos y materiales pictóricos, ya que la conservación de las obras ha avanzado considerablemente gracias a la ciencia. Los procedimientos dejaron de interesar y algunos pintores olvidaron la procedencia y riqueza material de muchos de los productos utilizados desde la antigüedad. Hoy en día los artistas demandan materiales que se adapten más a las técnicas actuales de expresión, como el informalismo o el arte abstracto.

Estas prioridades son mayores que la más importante preocupación de nuestros antepasados, pensar en su tiempo de vida, en el futuro, en que la obra pudiera llegar al mayor número de generaciones posibles; desarrollando no solo técnicas para crear la obra, sino procesos para que pudiera traspasar el eterno y duro paso del tiempo.

 

 

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Máscaras, el afán de ser otra persona.

mascMáscaras, el afán de ser otra persona.

 

 

 

 

 

Mosaico sobre máscaras teatrales griegas.

 

Encarnar algo o alguien tras una máscara es, posiblemente, uno de los actos más antiguos de la humanidad. Como defensa, como paso a la otra vida, para escenificaciones o diversión, el un objeto que ha perdurado hasta nuestros tiempos. El ser humano comenzó a crearlas desde que adquirió conciencia sobre sí mismo (la autoconciencia) y, por tanto, conciencia sobre los demás seres.

Antes de la edad antigua, el hombre estaba muy vinculado a los animales y al mundo que lo rodeaba, todo lo que ocurría externo a él le afectaba (tormentas, depredadores, “espíritus”…) y comenzó a sentirse amenazado, por lo que creó símbolos y escudos ante estas fuerzas ajenas a sí mismos. De esta forma generan los primeros objetos a los que podemos llamar máscaras, piezas decoradas muy básicamente usadas para personificarse como seres que podían hacer frente a estas amenazas.

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Máscaras neolíticas, Oriente Próximo;
Museo de Israel, Jerusalén.
   

En Egipto encontramos un uso de las máscaras totalmente diferente, un uso funerario, pues el objetivo de su fabricación era espantar a los malos espíritus, protegiendo así el alma del fallecido. Debían ser construidas intentando plasmar lo mejor posible las facciones de la persona, ya que sólo así podría atravesar el paso de la vida terrenal a la espiritual; aunque a veces los rasgos eran idealizados, honrando de esta forma al difunto.

Ya situados en la época greco-romana, la máscara comenzó a tener un empleo más cultural, las representaciones teatrales. Según estudiosos el teatro como tal se gestó en las fiestas dionisíacas griegas donde, una persona clamaba mientras el pueblo le respondía, generándose el primer diálogo escénico (aunque ya en Egipto se representaban momentos de la vida de los dioses).

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Máscara funeraria de Tutankamón;
Museo Británico.

 

Los primeros actores griegos (que siempre eran hombres) salían a escena con máscaras que distinguían el personaje al que daban vida. En la tragedia éstas resaltaban la seriedad del género, mientras que en la comedia solían llevar máscaras extravagantes que intensificaban la comicidad de la obra.

 

 

Durante la Edad Media, tanto el disfraz como la máscara fueron muy populares, incluso en las celebraciones religiosas. Las máscaras representaban símbolos de las fuerzas demoníacas, dando vida a los personajes infernales. También algunos caballeros, cuando participaban en ciertos torneos, llevaban máscaras para no ser identificados. Pero una de las variedades más curiosa a la vez que impactante es la diseñada para los médicos que durante estos siglos trataban la peste negra, tenían dos agujeros con lentes de vidrio para los ojos y una nariz cónica con forma de pico, que se rellenaba con sustancias aromáticas y paja para filtrar el aire podrido (el cual se creía era la causa de la enfermedad).

 

Posteriormente, con la llegada del Renacimiento, las máscaras tomaron de nuevo un uso relacionado con el que se les daba en Grecia y Roma; tienen un auge dentro de las compañías de Comedia dell'Arte, conformando una serie de personajes semejantes a los de la comedia grecolatina.

También destacan en este momento las máscaras venecianas, las cuales se portaban en el carnaval, en un principio; popularizándose para la vida diaria. Venecia era una ciudad relativamente pequeña, la cual desarrolló una cultura en la ocultación y el misterio, dando resultado así tanto a ventajas como inconvenientes; sirviendo para el importante objetivo social de mantener a todos los ciudadanos en igualdad de condiciones. Estado, inquisidores y espías podían interactuar así con los ciudadanos sin miedo a que su verdadera identidad se descubriera (y los ciudadanos responder sin temor a represalias). La moral de la población se mantenía a salvo: sin rostros, todos tienen voz.

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En cualquier lugar y época la máscara y el enmascarado contribuyen a determinar los valores, creencias y mitos del pueblo al que pertenecen. Sea portada durante rituales, representaciones, torneos, humillaciones, tratamientos médicos, deporte, ocio; la máscara participa de la palabra y la narración, de la memoria y el misterio, convirtiéndose en un elemento tan actual como natural y primitivo.

 

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John Flaxman, el legado.

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            Cuando leemos una historia, simultáneamente, en nuestro cerebro comienza a desarrollarse una sucesión de imágenes, quizá podríamos decir escenas, que hacen que nuestro imaginario se recree en las situaciones que nos ofrece la lectura. Sin embargo, muchas veces, nos encontramos con libros en los que ciertas imágenes nos vienen dadas, es decir, ilustraciones de lo que en sus páginas se narra.

 

            Los ilustradores tienen un papel muy importante, son los encargados, siempre en consonancia con la idea del autor, de dar el primer toque a la imaginación del lector, aunque en muchas ocasiones su sello propio se plasme en las ilustraciones, mostrándonos una pequeña parte de su propia imaginación e inspiraciones.

 

            John Flaxman nace en York, Inglaterra, en el verano de 1755. Vive en un periodo muy convulso, florecían los ideales que anhelaban la antigüedad, del mismo modo que el mundo comenzaba a industrializarse y modernizarse.

 

 

 
   

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Relieve neoclásico basado en dibujo de John Flaxman.

 

         Desde temprana edad autodidacta, siempre le interesó la escultura y el modelado, a los 32 años viajó a Roma para desarrollar su conocimiento sobre arte antiguo y estudiar y dibujar in situ las ruinas clásicas. Su viaje debía durar dos años pero varios encargos escultóricos le obligarían a permanecer en Italia durante aproximadamente nueve años. Esta época en Roma haría que Flaxman realizara los trabajos que le darían la fama como artista, su obra como dibujante, ilustrando La Divina Comedia (1793), La Ilíada (1793) y La Odisea (1805), así como también algunas obras de Esquilo.

            En sus ilustraciones para las obras nombradas, podemos ver cómo, a pesar de su gran sencillez lineal, sus dibujos consiguen trasladarnos a la historia, como si sólo necesitáramos un poco de imaginación para que éstos comenzaran a moverse animadamente en nuestra fantasía. Demostró cómo lo más primitivo podía dar una sensación de corporeidad en esas simples líneas, generando un mundo infinito sin necesidad de tridimensionalidad.

            Su influencia generó un sinfín de dibujos, grabados y relieves; no sólo por parte de sus contemporáneos, que incluso realizaban copias de sus obras como “ediciones”, sino que muchas generaciones posteriores lo tuvieron como referencia; de tal forma que incluso podemos encontrar grandes eminencias de la historia del arte en las que vemos el reflejo de Flaxman claramente en sus obras.

 

 
 

 

 

 

          

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Encontramos, por ejemplo, una obra de Goya (1746-1828), que más que influencia por parte de Flaxman en ella, vemos prácticamente uno de sus dibujos coloreados y sombreados en el resultado del afamado pintor, aportando su toque habitual de atmósfera sombría.

Por otro lado, José de Madrazo (1781-1859) utiliza en una de sus obras una composición inspirada en uno de los dibujos de Flaxman, donde algunos personajes y elementos aparecen de la misma forma dispuestos en ambas obras.

 

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            Finalmente, y de entre tantos otros ejemplos que podríamos encontrar, vemos otro ilustrador de La Divina Comedia, esta vez por parte del artista William Blake (1757-1827), quien es característico por sus visiones llenas de simbolismo y sensaciones. En este caso las dos obras no obvian una semejanza a primera vista, sino que nos sugieren, de forma muy interesante, que ambos artistas veían la misma escena, únicamente desde otro ángulo.

            En definitiva, luz, línea, sombra, color; son engranajes que componen un cuadro; sin embargo, ¿”leeríamos” de la misma forma La Divina Comedia ilustrada por Flaxman que por Blake? Es una cuestión apasionante poder ver cómo, de una forma u otra, sus ilustraciones formarán parte de nuestra visión de la historia, de nuestra percepción del mito o el poema, de sus personajes y sentimientos, de nuestra forma de imaginar.

 

Estefanía Moscoso

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La diosa Hebe en el arte.

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La diosa Hebe en el arte.

                La juventud, preciado estado del ser, siempre deseada desde la infancia y añorada en la madurez, fugaz y eterna; etapa en la que delineamos gran parte de nuestra persona, conforma una época en la que la intensidad forma parte del día a día y en la que los errores suelen tener, en la mayoría de las situaciones, varias y optimistas vías para encontrar una solución.

 

     Sentados en el áureo pavimento junto a Zeus, los dioses celebraban consejo. La venerable Hebe escanciaba néctar, y ellos recibían sucesivamente la copa de oro y contemplaban la ciudad de Troya.

                                                                                                 La Ilíada; Hesíodo.

               

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Panteón Griego Tommaso Piroli, basado en dibujo de John Flaxman

 

                En la mitología, Hebe, es hija de Hera y Zeus, diosa de la juventud, representada como una doncella muy hermosa (la de hermosos tobillos) y, generalmente, llevando un vestido sin mangas, con la tersa desnudez nacarada de una joven diosa tocada de flores y elevada al Olímpo sobre las alas del águila, icono de su padre Zeus.

                En el Olimpo, los dioses se reunían para decidir sobre la fortuna del mundo, ajusticiar los actos de los hombres y velar por la seguridad de la tierra, entre otras cosas; mientras, Hebe, era la encargada  de evitar que éstos tuvieran sed, sirviéndoles el néctar y la ambrosía, brindándoles así la vida eterna.

     Sírveme los pescados del mar, los frutos de la tierra y las aves del aire, y no hallaré nada que estimule mi apetito. Si la hermosa Hebe, con solícita mano, me brindase el néctar y la ambrosía que beben y comen los dioses, su rico sabor no excitaría mi paladar embotado y, como un peso incómodo, fatigaría tenazmente mi estómago.

Las pónticas; Ovidio.

 

                Es considerada perteneciente al grupo de los dioses menores, a pesar de su valioso poder de tener la capacidad de rejuvenecer y dar vitalidad a mortales y animales. Después de que Zeus quedara prendado por Ganímedes, en el deseo de tenerlo entre los dioses en el Olimpo, acusó a Hebe de haber tropezado mientras servía para sustituirla por éste, recién traído desde la tierra por el águila que Zeus envió en su busca, quedando Hebe relegada aún más a un segundo plano.

 

 

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Hebe, Bertel Thorvaldsen (1806); Museo Thorvaldsen, Copenhague.       

 

  Posteriormente, al reconciliarse Hera con Heracles y ser este admitido en el Olimpo, Zeus le entregaría a Hebe como esposa, siendo símbolo de la eterna juventud recién adquirida por el héroe ahora inmortal.

          Dentro del arte, el mito y las cualidades de la diosa tienen mucha relevancia, lo que ha hecho que muchos artistas fuesen impulsados a representarla añadiendo ciertos matices según la época.

                En la antigua Roma, por ejemplo, la diosa, llamada Junventas, adquirió una fuerte connotación política, ya que se la utilizaba como icono de la juventud del Estado, el cual se renovaba continuamente y reflorecía. También tenía una fuerte relación con el proceso iniciático de los jóvenes en la vida civil, los muchachos presentaban una ofrenda a la diosa cuando portaban por primera vez la toga viril.

 

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Retrato de Anna Pitt como Hebe (1792); Elizabeth Louise Vigée-Lebrun.

 

                Muy posteriormente, a finales del siglo XVII, se desarrolló una tendencia en la realización de retratos femeninos, pues todos se presentaban como personificaciones de Hebe. Claramente esto pretendía alabar la juventud y la belleza de la dama retratada.

                Ya en el siglo XIX, con el recién instaurado Neoclasicismo, las escenas mitológicas relacionadas con la diosa se representaron más asiduamente, sobretodo en las que se le puede observar como sirvienta de los dioses.

                La podemos ver como diosa, como etapa de la vida, como retrato de una joven dama... el culto a la juventud en sí trasciende a todos los tiempos del ser humano.  De una forma u otra, como ya mencionamos, su presencia en nuestra vida es siempre deseada, añorada tras su paso y deseada desde la infancia.

                Quizá en Hebe podemos establecer el icono al que alabar, una deidad en la cual buscar la presencia de la eterna juventud más allá de los años. 

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Pegaso. El sueño de volar en el arte.

Caballos alados de tarquiniaPegaso
Desde tiempos inmemorables, volar ha sido una de las ambiciones más buscadas por el ser humano. La naturaleza siempre nos ha mostrado seres que, a través de los cielos, cambian su estancia
y vida según la necesidad y estación. Es, posiblemente, esta referencia natural sumada a la creencia, lo que nos ha hecho desde épocas ancestrales crear deidades y seres alados o que poseyeran instrumentos que les permitiesen volar.

Una de estas creaciones del ser humano es el caballo alado, presente en numerosos mitos, leyendas y en el folclore de muchas culturas, desde china, así como Grecia, Italia, África e incluso presente en América del Norte antes de la colonización europea.

Su figura, como la de otros seres fantásticos/mitológicos, como el centauro, la esfinge, el minotauro, entre otros; está formada por elementosreales, es decir, el cuerpo de un caballo y las alas de un ave.

Esto simboliza las tradiciones de la domesticación del caballo y la sensación de libertad y de potencia guerrera
ganada por los caballeros; relaciona las aptitudes dadas al caballo con las del pájaro, vinculado a la ligereza y la elevación.

 

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Biga de Pegasos.
Arte Etrusco.

 

Las primeras representaciones de caballos alados datan del siglo XIX a.C, en los proto-hititas (que conformarían el reino de Hatti en la zona central de la actual península de Asia Menor). Lo más
probable es que este mito se propagara después a los asirios, llegando a Asia menor y posteriormente a Grecia. En la mitología griega, así como en el arte, alfarería, escultura e incluso moneda; solemos
encontrar representaciones de uno de los caballos alados más conocidos de la historia, Pegaso, aunque no todas las representaciones de caballos alados en Grecia están relacionados con este personaje.

Trasladándonos a otras partes del mundo también encontramos culturas con este ser en sus historias, en el Rig-Veda (texto más antiguo de la India, 1700-1100 a.C) los caballos de la carroza de
Indra se representan alados, de pelaje negro brillante y con patas blancas. Como dato curioso, en la mitología nórdica también se encuentran caballos voladores, pero en este caso no son alados, son los
llamados caballos de las nubes.


Las Gorgonas habitan el otro lado del ilustre océano, en el confín del mundo hacia la noche; Esteno, Euríale y la Medusa desventurada; esta era mortal y las otras
inmortales exentas de vejez ambas. Cuando Perseo le cercenó la cabeza a la tercera, de dentro brotó el enorme Crisaor y el caballo Pegaso. El segundo, levantando el vuelo y
abandonando la tierra madre de rebaños alcanzó la mansión de los inmortales; y allí habita, en los palacios de los dioses, llevando el trueno y el rayo al prudente Zeus.

Teogonía; Hesíodo.


Centrando nuestra atención en el mito griego, popularmente, se representa a Perseo montando a Pegaso tras degollar a Medusa; lo que realmente no se conoce es que
Perseo jamás conisguió, según la mitología, montar a este famoso caballo alado. Cuando el héroe hizo brotar la sangre del cuello de Medusa, de la cual nació Pegaso, éste ascendió al
Olimpo, convirtiéndose en el caballo de Zeus, para el que trasportaba el trueno y el rayo. Posteriormente, es en el mito en el que el héroe Belerofonte derriba a la
Quimera, donde Pegaso reaparece. Después de que un adivino aconsejara a Belerofonte capturar al caballo Pegaso para así poder destruir a la Quimera, éste recibió
de la diosa Atenea una brida de oro para domarlo, la cual el héroe colocó sobre su cabeza y consiguió su obediencia, convirtiéndose en el único mortal que
montó a Pegaso y junto al cual derribó a la Quimera.

 

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Belerofonte montando a Pegaso.

 

Se trata, en definitiva, de una de las figuras más recreadas dentro de las diferentes culturas y mitologías, así como en el mundo del arte; representando, en cada una de sus
versiones, el deseo de la mente humana de poder volar, siendo este deseo plasmado en un ser tan peculiar a lo largo de todos los tiempos.

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Tanagras. Un modo de arte singular.

Tanagra-Venus-desclazandose-K-S3-2La historia de la decoración, generalmente, nos relata que en la mayor parte de los tiempos antiguos y hasta el renacimiento, las personas se procuraban un sustento y no existía la decoración del hogar; era más importante para el hombre común poder tener las cosas necesarias para vivir que el hecho de que su casa fuera bonita y agradable. Pero, aunque no fuera esto algo común, no podemos negar la existencia del adorno en ciertos lugares y estamentos sociales.

Esto es algo que nos demuestran, por ejemplo, las tanagras, pequeñas figuras de cerámica que fueron objetos muy preciados en el mundo griego desde finales del siglo IV a.C hasta fin del siglo III a.C. Las primeras piezas de este tipo fueron descubiertas en la antigua ciudad de Tanagra, a la que se le debe su nombre.

Representaban desde asuntos mitológicos, con dioses, héroes y entidades inmortales hasta figurillas de simples personas mortales en diversas actitudes de su vida cotidiana; como mujeres con cántaros de agua o bailarinas, entre otras. 

La realidad del uso que se le daban a estas figuras es variado y discutido por los historiadores, pero siempre podemos hacernos una idea del ¿para qué? de las cosas atendiendo al ¿dónde? se encuentran.

Teniendo esto en cuenta, muchas se descubren en casas, donde conformaban el espacio donde se brindaba el culto a los dioses. Ciertas familias, mayormente las que tenían un poder económico mayor, creaban en sus propios hogares altares en honor a los dioses.

Por otro lado también aparecen en lugares de culto comunes, en templos y santuarios menores, donde principalmente encontramos tanagras inspiradas en esculturas mayores de los autores de la época. Las encontradas en estos emplazamientos se corresponden con imágenes de dioses y personajes mitológicos.

 

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Baco y Ariadna.

Y, finalmente, la mayor cantidad de este tipo de piezas han sido descubiertas en tumbas y espacios funerarios, donde los enterramientos se realizaban acompañados de decenas de figurillas de este tipo a modo de ofrenda al difunto. Son estos emplazamientos los primeros que, por accidente, acercan las preciadas figuras de Tanagra a nuestros días. 

Fueron los propios campesinos lugareños del siglo XIX quienes, por casualidad, labrando las tierras encontraron las primeras tumbas que contenían entre sus ajuares estas preciosas figuras y, después, la búsqueda de las mismas en los alrededores se hizo sistemática, pues las preciadas terracotas habían comenzado a alcanzar altos precios en el mercado, deseo de los coleccionistas burgueses. Posteriormente, varios saqueadores de tumbas en alianza con los anticuarios más importantes de Europa hicieron de estos saqueos algo habitual.

Aunque estos hechos desencadenaran una serie de numerosas falsificaciones para su venta y ciertas situaciones violentas con los campesinos, dueños de sus tierras, su descubrimiento no solo propició hechos desagradables.

A parte de convertirse en piezas que durante el resto de siglos han sido apreciadas y admiradas por su belleza y fragilidad, su existencia ha aportado muchas otras cosas fuera del mundo del arte.

Para la historia, más valioso aún que representaciones artísticas de dioses y seres mitológicos, tienen un gran valor las obras en las que encontramos el reflejo de la vida cotidiana de la época y, por tanto, información de la apariencia de las personas de dicha civilización. Gracias a las figuras en las que vemos representadas este tipo de escenas, engrosamos la información sobre la indumentaria de la época (muchas de ellas tienen un virtuoso detalle en la caída de los mantos, la forma de los sombreros...), así como de peinados y complementos.

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Bailarina.

Por supuesto, también nos ofrecen información sobre ciertas actividades y la forma en que se realizaban, por ejemplo, encontramos una tanagra en la que vemos cuatro mujeres amasando pan a ritmo de una quinta mujer que toca un instrumento; un escriba realizando su trabajo o simplemente un hombre ante un horno.

Concluimos que, fueran objeto o no para la decoración u ostentación del hogar, a nuestros tiempos llegan como una forma concreta del arte antiguo. Las Tanagras, nombre que recibieron de la primera ciudad donde se encontraron allá por el siglo XIX, se han hallado posteriormente en numerosos yacimientos arqueológicos en ciudades de toda Grecia, como Atenas, Tebas, entre otras; piezas que conforman un modo de arte singular, el cual nos conquista con su fragilidad, detalle y belleza.

 

 

 

 

 

 

 

 

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J.M.William Turner se anticipó a su tiempo.

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Se puede llegar a la consagración dentro de una institución académica de diversas formas, lo que realmente importa es qué hacer una vez has ocupado este puesto, elogiar las técnicas que promueve dicha institución o, por el contrario, intentar innovar y mostrar al resto un punto de vista diferente dentro del arte.

turner

 
 

 

 

 

 

 

¿Puede ser nuestra innovación el motor suficiente para impulsarnos a defenderla y promulgarla, corriendo aún así un riesgo por ello?

 

 

 

 

           La quema de las casas del parlamento

Museo de Arte de Philadelphia

 

“Los tuertos le hicieron a él mismo callar y le aprisionaron en una cueva 'que los laureles oscurecían' (de donde no extrajo ningún bien, salvo perjuicio, de toda la fama de los grandes de antaño), vio cómo los tuertos se comieron a sus compañeros en la cueva (muchos pintores de buena fe se pusieron de parte de Turner cuando comenzó a utilizar estas herramientas); finalmente, cuando su momento probablemente había llegado, arrojó el robusto tronco de pino completamente en llamas (la luz de la naturaleza en bruto), a los rostros de los tuertos y les dejó rasgándose las vestiduras en bancos de nubes (…) para marcharse a surcar el mar conforme el amanecer rompía sobre las islas encantadas”.

 

Pîntores Modernos; Jonh Ruskin

                                Las interpretaciones alegóricas de Ruskin sobre Turner

 

Tenemos en nuestra mente numerosos nombres de personalidades que, dentro de todas las ramas del arte, alcanzaron el éxito póstumo, generalmente estos nombres coinciden con genios que no se posicionaban dentro de las vertientes vigentes del momento y que, tras su muerte, sus obras resultaron verdaderas inspiraciones para los artistas futuros a su época.

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 Lluvia, vapor y velocidad

Galería Nacional de Londres

 

William Turner ingresó en la Royal Academy de Londres a la corta edad de 15 años, consagrado desde su juventud, comenzó su carrera entre los grandes de la época. Fue un pintor académico en sus principios, pero lenta e imparablemente fue evolucionando hacia un estilo libre, atmosférico, en ocasiones esbozando incluso la abstracción, siendo incomprendido y rechazado por los que llevaban décadas admirándolo.

Así es como Turner es considerado por muchos uno de los precursores del impresionismo en Inglaterra. Otros, sin embargo, afirman que pudo haber sido el gran precursor del movimiento, pero que tomó un camino equivocado, lo que llevó a que su descubrimiento fuese demasiado tardío.

 

 

 

 

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“Cierto, hay una luz solar cuyo resplandor es dorado, y gris su sombra; pero hay otra luz solar, la más pura, cuyo resplandor es blanco y escarlata su sombra”

 

 

 

 

 

 

 

El temerario remolcado

Galería Nacional de Londres

 Algunos estudiosos afirman que Turner quería plasmar en sus pinturas la situación moral decadente de la Inglaterra de su tiempo, en la que la sociedad se había rendido en el culto a Mammón (personificación metafórica del materialismo inglés del siglo XIX), por lo que añadió a su paleta de color  una tonalidad ardiente, relacionada con un oasis en decadencia abrasado por las llamas.

De una forma u otra, sus innovaciones en el uso de colores que ningún otro hombre había empleado anteriormente, como el púrpura o el escarlata en el color de sus nubes, nos dejan un legado de obras que deleitan nuestra vista y nuestro sentido de percepción del paisaje.

De esta manera vemos que Turner sí que eligió el camino del riesgo, el de buscar dentro de sí mismo lo que quería emprender, aunque se tratara de una innovación que lo separara de sus contemporáneos. Tomó este camino plasmando en sus obras las luces y sombras que sus ojos percibían y, siendo esta senda correcta o no, consigue llegar a nuestros días y ser reconocido por muchos en el mundo del arte.

 

 

 

 

 

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El nacimiento de Venus en el arte.

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        Urano engendró en Gea gigantes, titanes, cíclopes; tan odiados por él mismo, que los enterró en los tártaros de la tierra. Gea, en un sin fin de sufrimiento por su descendencia, decide  vengarse de éste, consiguiendo únicamente la ayuda de su vástago Crono que castra a su padre y arroja su miembro al mar. De éste surgiría un brote de espuma del que emergería Venus, quien impulsada por los vientos de Céfiro, llegaría a la orilla adulta y pura.


                     

Fresco_Pompeya

 

 

Por fortuna o desgracia, no tenemos en nuestra memoria la considerada primera interpretación de El Nacimiento de Venus (Venus Anandiómena; Apeles), pues esta desapareció, pero si es cierto que sus varias descripciones en la antigüedad, así como frescos y esculturas datados en la Grecia y Roma clásicas, han servido como inspiración para los sucesivos pintores y escultores que la han devuelto a la vida.

 

 

 

                                                              

 

  Fresco de Pompeya, autor desconocido.

                Casa de la Concha de Pompeya, Pompeya. 

“Por los céfiros lascivos empujada

veríais la diosa que del mar salía,

exprimiendo cabellera remojada

entretanto otra mano el pecho cubría.”

Angelo Poliziano, descripción de la Venus Anandiómena de Apeles.

 

                Pero no es hasta después de la Edad Media,  tras la pérdida de control de la Iglesia, cuando renacen la representaciones de la mitología griega y romana. Este resurgir de la cultura clásica hace que emerjan numerosos artistas que deciden hacer rebrotar estas figuras sumidas en la oscuridad durante siglos.

                Todos tenemos en mente, con objetiva razón, la imagen de El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli, pero lo interesante de la libertad para interpretar un mismo mito, es la diversidad de vertientes que nos pueden ofrecer diferentes artistas de éste. Nos encontramos entonces con imágenes que, aunque carezcan de tanta repercusión, merecen ser mostradas y reconocidas.    

 

William_Adolphe_Bouguereau_1879

    

 

 

 

 

Nos encontramos, por ejemplo, con El Nacimiento de Venus de Adolphe Bouguereau, situada en academicismo del siglo XIX; en ella vemos como la composición se amplía a una Venus rodeada por tritones y nereidas que presenciarían su alumbramiento, y 

de puttis (figuras típicas que ornamentaban las escenas clásicas del Renacimiento, representadas como niños desnudos alados). Se puede observar Bouguereau juega con las dimensiones y alturas.

 

 

   

 

 

 

Nacimiento de Venus, Adolphe Bouguereau.

 Museo de Orsay, París.

 

               Un autor contemporáneo a Bouguereau nos muestra, sin embargo, una obra completamente diferente a nivel de composición. Aunque ambos pertenecen al academicismo del siglo XIX, en este caso, Henri Pierre Picou nos muestra un nacimiento de Venus en donde sólo encontramos la imagen de la misma diosa, en actitud de plenitud y descanso. Con un fondo que carece de luz, brinda mayor relevancia a la figura de la deidad que al mundo que la rodea, exaltando más la figura de la diosa en sí y no tanto el hecho de su nacimiento.


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                                                 El Nacimiento de Venus, Henri Pierre Picou.

               Museo de Orsay, París.

 

Tiziano_1520

 

               

 

 

Contemporáneo a Botticelli, encontramos la Venus Anandiómena de Tiziano, quien perteneciente al mismo movimiento, no a la misma escuela (escuela Veneciana), nos enseña la escena relatada en el propio mito del momento en que Afrodita/Venus escurre el agua de su cabello.

Vemos aquí una impresión mucho más oscura, quizá mostrando así un nacimiento más terrenal en el que la diosa aparentemente sale a pie del agua, sola, sin tener presente mayor ornamentación en su nacimiento más que una concha flotando en las mismas aguas.

 

 

 

                                                                                                                                   

 

 

Venus Anandiómena, Tiziano.

                                                                                                                             Galería Nacional de Escocia, Edimburgo.

 


           

Trono_Ludovisi

 

 

Por último y cambiando de modalidad artística, tenemos una representación escultórica del nacimiento de Venus. El Trono de Lodovisi es un bajorrelieve que nos muestra a Afrodita saliendo del mar siendo vestida por las Horas. La pieza se encontró en 1887, en lo que anteriormente era el inmenso terreno de la Villa Ludovisi en Roma. Presuntamente, la pieza pertenecía a la parte posterior de la decoración de un trono.

 

 

 

 

 

Trono Ludovisi, autor desconocido.

 Museo Nacional Romano, Roma.

 

                Este es un pequeño abanico de imágenes dignas de conocer dentro de las representaciones no tan conocidas del nacimiento de Venus, pero existen muchos otros artistas que podríamos nombrar, como Alexandre Cabanel (1863), Antonio Lombardo (1516), Juan Auguste Dominique Ingres (1848), Theodore Chaisseau (1838), entre otros, que nos pueden dar otras visiones de lo ya conocido.

Como podemos comprobar el arte siempre nos muestra diferentes formas de apreciar la belleza dentro de un mismo concepto, en este caso, dentro de un mismo mito.

En Decorar con Arte queremos acercar a nuestras vidas  la mayor cantidad de posibilidades que puedan brindarnos gratas sorpresas en diferentes modalidades artísticas. 

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Micro-Museos y pequeñas colecciones de arte

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El  mundo del coleccionismo es cada vez más amplio y variado, desde postales, maquetas de barcos, sellos y monedas, hasta radios, porcelanas o libros antiguos. Pero si podemos destacar una afición que reporta un manantial de satisfacción es el del coleccionismo de obras de arte.

Obviamente ésto no está al alcance de todos los bolsillos, pero el amor por el arte y la belleza, por las obras escultóricas, arquitectónicas o de pintura sí es una virtud que no entiende de clases sociales ni poder adquisitivo sino de sensibilidad estética, y ésta, en contra de lo que pudiera parecer, está muy extendida. Por eso crece cada día el número de personas que van creando pequeñas (o grandes) colecciones de reproducciones de obras artísticas y arqueológicas.

Las reproducciones de calidad no tienen porqué ser caras y sin embargo nos ponen en contacto con el alma de cada tiempo, con lo mejor que el arte nos ha legado.

Así vemos,  entre los amantes del arte y de la historia, verdaderos micromuseos en vitrinas en casa o en oficinas, que suponen un paréntesis de paz e inspiración en la vida cotidiana.

Nos satisface poder contribuir en decorarconarte.com a esta noble y bella afición que crece día a día.

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Somos lo que nos rodea.

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El neurocientifico Colin Ellard (Londres. 1958) es uno de los expertos en dictaminar cómo reaccionará el individuo a las caracteristicas de un lugar. En una de las principales investigaciones que lleva a cabo en participación con planificadores, arquitectos y diseñadores urbanos, han desarrollado un método en el que analizan los datos físicos y psicológicos de una persona cuando se la involucra en paseos por la ciudad, en ambientes arquitectónicos, etc. Este método mide aspectos cognitivos ligados a la memoria y capacidad de atención al movimiento ocular e incluso sus ondas cerebrales. Todo ello en busca de entender los principios que explican cómo las variables en el diseño urbano inciden en la psicología humana y su calidad de vida.

Lo que se está poniendo de manifiesto es la gran influencia que el entorno ejerce sobre nosotros y nuestra calidad de vida

Desde Decorar con arte hemos apostado desde el principio por el bienestar de nuestros clientes convencidos de que la belleza en la decoración aporta valores únicos y esenciales para el ser humano

Nos hacemos semejantes a lo que contemplamos.” decian los griegos.

Para saber más acerca de la investigación del neurocientífico cognitivo Colin Ellard les dejamos el siguiente enlace:

http://www.lavanguardia.com/vivo/20160521/401937187894/culturas-psicogeografia-colin-ellard.html

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Gustav Klimt

Gustav Klimt (1862-1918) sabía mostrar en un solo cuadro el espíritu del esplendor que vivía Austria en 1900, pero renunció a ser un mero cronista de lo que el escritor austriaco Stefan Zweig llamó “la edad de oro de la seguridad burguesa”.
No quiso saber nada de la fama y se entregó a las mujeres que podemos encontrar en sus pinturas, mágicas e irresistibles, ideales de femme fatale, pero con alma de seres míticos ligados al placer y al exceso. Los hombres, no podían entrar en escena ante las autenticas dueñas en un plan principal.
La sociedad austrohúngara vivía en la armonía absoluta, un esplendor adormecido con manifestaciones artísticas tan correctas como bellas, siempre acordes con el historicismo. La obligada contención femenina era un reflejo más de la represión sexual de los vieneses, un caldo de cultivo ideal para Sigmund Freud que desarrolló en esos años s teorías sexuales sobre el origen de las neurosis'El beso' (1908), la obra cumbre de la 'etapa dorada' de Klimt.
Dando un paso más, Klimt se atrevió a mostrar la superioridad erótica de la mujer con el simbolismo sensual, las expresiones de descaro, los dorados y los motivos geométricos de las vestimentas y los tocados de sus personajes.
Dentro de nuestra web, se pueden encontrar numeras reproducciones de este maravilloso autor.
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Recuperamos a través de una reproducción el sistro egipcio del museo.

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Nuestros artesanos han podido recuperar el sistro egipicio perdido. Esta reproducción está basasa en el Sistro (sechem) original del Museo Nacional de Malawi, catalogado con el nº 89, cuya parte superior fue restaurada. Es una de las piezas desaparecidas en la destrucción de este museo por radicales islamistas, en agosto del 2013.

 

Procedencia: Necrópolis de Tuna el Gabal. Periodo greco-romano

Original en fayenza azul de 33,5 x 8,5 cm

La inscripción en el mango dice: "Hermoso dios señor de las dos tierras vida eterna”.

El sistro fue un instrumento musical ceremonial que utilizaban las sacerdotisas. Había dos tipos, el llamado sechem y el sesheshet. Ambos asociados a la diosa Hathor, aunque también se utilizaban en el culto a otras divinidades   como Amón o Isis.

El sonido cadencioso que proporcionaban recordaba el susurro de los tallos de papiro agitados por el viento. Su melodía agradaba a los dioses y ahuyentaba los malos espíritus.

 

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Saber mirar

contemplacionAprender mirar el mundo con una actitud contemplativa es mirar sin intención utilitaria. No es mirar las cosas en tanto lo que no aportan o en que nos resultan útiles. El hábito y el interés deforman la capacidad de ver. Se trata de mirar las cosas tal y como son, por el placer de contemplarlas.

Esta forma de percibir la naturaleza o el arte es una vía a la experiencia estética pura y un verdadero placer para el alma, que puede desvelar la belleza que el mundo esconde.

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Deconsol. 12,5x12x10cm

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La fama de Josep Llimona se debe sobretodo al tratamiento que da al desnudo femenino. Esta hermosa escultura realizada entre 1903 y 1907se enmarca todavía en el periodo de permanencia de la idea clásica, antes de la revolución cubista y abstracta. Esta escultura, de naturalismo depurado, recibe su nombre de su postura abatida, sumida en la melancolía. El desnudo da una gran fuerza a la talla, a la vez que sensibilidad y delicadeza. El íntimo contacto con la  base apenas sin trabajar da una misteriosa sensación de unión y liberación de  su lugar de origen. Aquí les dejamos una reproducción de su obra Deconsol, que se encuentra en el Museu Nacional Art de Catalunya.

Aquí puede acceder a la pieza.

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La piedad de Miguel Angel. 26x27x17cm

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Una de nuestras piezas más populares es la de "La piedad" de Miguel Ángel Buonarroti.

La Piedad del Vaticano (1498-1499) es una obra de fama mundial de la escultura del renacimiento de Miguel Ángel Buonarroti, que se encuentra en la Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano. Es la primera de una serie de obras del mismo tema por el artista. La estatua fue encargada por el cardenal francés Jean de Bilhères, quien fue un representante en Roma. La escultura, en mármol de Carrara, fue hecho para el monumento funerario del cardenal, pero se trasladó a su ubicación actual, la primera capilla a la derecha según se entra en la basílica, en el siglo 18. Es la única pieza Miguel Ángel nunca firmó.

Aquí puede conseguir esta bella pieza.

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Figuras nacimiento de christo (5 figuras). 22,5cm

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Están llegando las fechas de Navidad y algunos de nosotros nos preparamos nuestro pequeño belen en casa, aquí os dejamos un conjunto de 5 figuras del nacimiento de Cristo.

Aquí puede encontrar esta oferta.

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Figura dorada. Esfinge de los Higuerones. 11cm

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Una de nuestras últimas innovaciones es esta figura dorada de la "Esfinge de los Higuerones" sobre una base. Se trata de una reproducción de una figura de bronce fundido del siglo VII antes de Cristo y que se encuentra en el Museo de Linares.

Aquí puede encontrar esta pequeña maravilla.

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Figura de Buda en Meditación. 50x30x35cm

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Disponemos de una gran oferta de un Buda en meditación que miden medio metro con un descuento muy reducido. Con esta estatua usted puede empezar a hacer la práctica budista por excelencia "La meditación". La meditación o bhavana significa "cultivo de la mente", y es una actividad que pone al practicante en una predisposición determinada, con el fin de colocarlo en la realidad y así aumentar su comprensión y sabiduría, que son esenciales para la erradicación del "dukkha" (dolor y sufrimiento).

Aquí puede conseguir esta pieza.

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Peso de Susa. León. 8x6x16cm

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Aquí les dejamos una pequeña joya del arte sumerio, es un peso con la forma de un león, el original es del siglo V antes de Cristo y se encuentra en el Museo del Louvre, París. El arte sumerio proviene de una región histórica de Oriente Medio que formaba parte del sur de la antigua Mesopotamia, por lo tanto es parte del arte mesopotámico, que es una división cronológica y geográfica de la historia del arte sobre la Mesopotamia durante los tiempos antiguos .

Aquí puede conseguir esta pieza.

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Figura de Horus, Dios del Sol. 21cm

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El nombre de Horus es griego. En el Antiguo Egipto se le conocía como "Heru" (a veces Hor o Har), que se traduce como "el distante" o "el que está en lo alto" (de la preposición "Hr", que significa "sobre" o "arriba"). Fue considerado como un halcón celestial, por lo que su nombre podría ser una referencia específica al vuelo del halcón, pero también podría ser visto como una referencia solar más general. Se cree que el culto de Horus fue llevado a Egipto durante el período predinástico.

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Marco dorado con lienzo a elegir. 43x36cm

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¿Alguna vez has imaginado lo elegante que sería tener un cuadro colgado en su casa?, Tenemos una serie de cuadros con lienzos a elegir, de modo que usted puede disfrutar de una hermosa vista en un marco dorado que realza su belleza.

Aquí puede acceder al marco.

Y aquí puede ver los lienzos de nuestra colección.

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Estatua de Hebe, policromada. Altura: 65cm

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El acabado de policromía que nuestros artesanos le dan a nuestras figuras, como esta diosa de la juventud, es realmente increíble y una de las razones por las que estamos muy orgullosos de las piezas que vendemos. Nos gusta conocer la historia y el origen de nuestras piezas, para luego moldearles la imagen que les corresponde.

Aquí puede conseguir esta bella pieza.

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Victoria de Samotracia. 58x35x35cm

Leer mensaje completo: Victoria de Samotracia. 58x35x35cm

Una de nuestras últimas innovaciones es esta hermosa estatua de la Victoria de Samotracia, que mide 58 cm de alto, es una hermosa pieza de decoración para la terraza o el jardín, así como para la sala de estar o la oficina. Con esta pieza que tendría cerca de usted una obra de arte de renombre internacional por sus hermosos detalles.

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Regalos Distinguidos. Relieve. Renacentista Heracles. 52x49cm

Leer mensaje completo: Regalos Distinguidos. Relieve. Renacentista Heracles. 52x49cm

Interesado en hacer un regalo distinguido?

¿Por qué no echar un vistazo a nuestra página web con el arte decorativo?

¿No estaría bien hacer feliz a alguien con un gran bajorrelieve, que será colgado en la sala y que le encantará a todo el mundo.

Un bonito regalo por el que siempre será recordado.

Aquí usted puede conseguir este relieve.

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Figura de La Primavera. Color. 28cm

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Una bonita y pequeña figura de la Primavera, para hacer un regalo único ideal.

Aquí usted puede conseguir esta figura.

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Escultura de Dama con arpa. 170cm

Leer mensaje completo: Escultura de Dama con arpa. 170cm

¿Está interesado en una escultura de 1,70 metros, tallado en diferentes tipos de mármol y finamente pulida?

Se trata de una pieza única.

Adecuado para la decoración de jardines y terrazas.

Esta estatua representa a una mujer vestida con una túnica y con un arpa en sus manos.

Aquí usted puede conseguir esta escultura.

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El valor del arte

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El encanto de esta hermosa estatua de las Tres Gracias tiene un valor equivalente a su calidad y esfuerzo. Pero en el arte, como en otros mercados libres, el valor de algo es el precio que alguien está dispuesto a pagar por ello en un momento y un lugar determinados. Pero como el precio de una obra se asocia con el éxito de un artista, a menudo llegan a unos precios muy altos, como si se tratara de un coche de lujo, pero esto no afecta a aquellos que están interesados sólo en el valor artístico, cultural e histórico de una obra de arte y que son felices con una reproducción de alta calidad que refleja los detalles del original con una gran precisión. De hecho, nuestro mayor interés es llevar el arte más allá de los coleccionistas o museos.

Aquí usted puede conseguir la estatua de las Tres Gracias.

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Busto de Olympia. 85x48x21cm

Leer mensaje completo: Busto de Olympia. 85x48x21cm

Una escultura de gran tamaño puede ser una inversion muy cara que la mayoria de la gente no se puede permitir a pesar de que les guste el arte en todas sus formas, en decorarconarte, nos hemos propuesto acercar el arte a las personas por un precio más economico, ya que las esculturas que ofrecemos son reproducciones en materiales como la escayola, resina marmolea, alabastro moldeado o fibra de vidrio, a parte que son realizadas por excelentes artesanos de españa. Mire por ejemplo este Busto de Olympia, su textura recrea el acabado de una autentica antigüedad.

Aquí usted puede comprar esta piezahttp://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ViewObjectPath=%2FShops%2F61552482%2FProducts%2FOr-301-Busto-Olympia

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La famosa piedra de Rosetta

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La famosa piedra de Rosetta, que resultó ser un elemento clave para descifrar los jeroglíficos egipcios, fue hallada casualmente en el norte de Egipto por parte de un destacamento militar francés. La piedra de Rosetta es un fragmento de una antigua estela egipcia de granodiorita inscrita con un decreto publicado en Menfis en el año 196 antes de Cristo en nombre del faraón Ptolomeo V. El decreto aparece en tres escrituras distintas: el texto superior en jeroglíficos egipcios, la parte intermedia en escritura demótica y la inferior en griego antiguo. Gracias a que presenta esencialmente el mismo contenido en las tres inscripciones, con diferencias menores entre ellas, esta piedra facilitó la clave para el entendimiento moderno de los jeroglíficos egipcios.

http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ObjectPath=/Shops/61552482/Products/A_384-R

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San Jorge matando al dragón (27x26x15cm)

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En el siglo IX aparece una historia popular sobre San Jorge a caballo matando a un dragón. Esta historia, que es parte de la leyenda dorada, también es conocida como "San Jorge y el dragón", y es el origen probable de todos los cuentos de hadas sobre princesas y dragones en Occidente. Debe tenerse en cuenta que la leyenda se cuenta en varias partes de Europa y Asia Menor como propia (e incluso en Japón, donde se puede equiparar Jorge con el dios del trueno Susano-oh, la princesa con la doncella Kushinada y el dragón con Yamata-no-Orochi), por lo que los detalles varían según la tradición local.

https://shop.strato.com/epages/61552482.sf/seca05972323a/?ObjectPath=/Shops/61552482/Products/Sig-59347

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Relieve ceremonial de Eleusis. 24x35x1,5cm

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Reproducción de un fragmento del gran relieve de Eleusis, que fue datado entre los años 27 antes de Cristo y 14 después de Cristo; se trata de un copia romana de un original en mármol griego aún más antiguo de entre aproximadamente los anos 450 y 425 antes de Cristo.

Este relieve representa a Deméter, diosa de la abundancia agrícola y Perséfone, la diosa del inframundo y de la fertilidad de la tierra, junto a un joven desnudo. Demeter, a la izquierda, está revestido de un largo peplo de lana, ceñida a la cintura; ella sostiene un cetro en su mano izquierda. Perséfone, a la derecha, lleva una larga túnica de lino con mangas abotonadas y una himation; ella sostiene una larga antorcha encendida a su izquierda. La escena suele explicarse como Deméter y Perséfone dando Triptolemos las espigas de trigo para que el pueda enseñar a los hombres a cultivar granos. Es excepcional que la obra griega de arte aún exista, actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ObjectPath=/Shops/61552482/Products/Relieve-Eleusis-G431

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Ágata de tonalidades caramelo. 15x10cm

Leer mensaje completo: Ágata de tonalidades caramelo. 15x10cm

En algunas culturas el ágata tiene el poder de armonizar el yin yang, las fuerzas positivas y negativas. Pero, sin duda, su juego de luces tiene un efecto calmante y relajante y ofrece una gran fuerza y determinación, por lo que se dice que son muy buenas a la hora de tomar decisiones y para las personas que sufren dudas y indecisión.

http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ObjectPath=/Shops/61552482/Products/agata-placa-caramelo-LLi

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Escultura de Cupido y Psique. 14,5x10x17,5cm

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A tardía edad de la poesía y el arte helenístico y romano, pertenece la tierna historia de "Psique", la personificación de un alma llena de amor o, en otros tiempos, una mariposa que llevaba el mismo nombre. Psique, según la historia, era la hermosa hija de un rey. La fama de su belleza despertó los celos de Afrodita, que, para deshacerse de su rival, encargó a su hijo Cupido de hacerle a ella una visita y inspirarla el amor a un hombre común.

http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ObjectPath=/Shops/61552482/Products/Figura-cupido-y-psique-Ib03001383

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Gargola. 64x43x74cm

Leer mensaje completo: Gargola. 64x43x74cm

El origen de las gárgolas se remonta a la Edad Media y se relaciona con el aumento de los bestiarios y los tormentos del infierno. También es cierto que la imaginación de los artistas medievales fue abonada por mitos aún más antiguos. De hecho, las primeras gárgolas fueron bautizados con el nombre de 'grifos', por lo que evidencia sus raíces clásicas. Sin embargo, la iconografía de las gárgolas no se limitó a la mera representación de grifos, sino también encarna otras criaturas fabulosas que podría tomar la forma de animales, seres humanos o una mezcla de ambos; pero siempre representados más o menos de manera monstruosa. En la época actual podemos encontrar las gárgolas que representa los supuestos poderes mitológicos que estas rocas emanan con su forma monstruosa.

http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ObjectPath=/Shops/61552482/Products/Gargola-GV-090074RS

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Reloj neoclásico con angel. 32x20x9cm

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Neoclasicismo apareció en el siglo XVIII para describir de una manera peyorativa al movimiento estético, que venía reflejado en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII había tenido lugar en la filosofía, y por lo tanto habían sido transmitidas al todos los campos de la cultura. Sin embargo, el neoclasicismo fue perdiendo adeptos a favor del Romanticismo. El Neoclasicismo surgió del deseo de recuperar las huellas del pasado, que recuerdan a las grandes obras de las antiguas culturas griega y romana.

http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ObjectPath=/Shops/61552482/Products/reloj_neoclasico_IB05020040

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Gramófono cuadrado. 70x49x49cm

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El gramófono es una palabra que viene del griego y significa: Gramma "escritura" y Fono "sonido". El gramófono fue el primer sistema de grabación y reproducción de sonido que utilizó un disco plano. También fue el dispositivo más común para reproducir sonido grabado desde la década de 1890 hasta mediados de 1950.

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Escultura de Apolo y Dafne. Altura: 46cm

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Por un muy buen precio podrá conseguir una escultura impresionante, se trata de una reproducción de la famosa escultura de Apolo y Dafne, realizada por el esculptor italiano Gian Lorenzo Bernini en los años 1622 y 1625. Esta estatua pertenece al estilo barroco. Es un grupo escultórico de mármol en tamaño natural, que se encuentra expuesto en la Galería Borghese en Roma.

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Un gran regalo de nuevo año

Tenemos una gran colección de hermosas monedas romanas de bronce, por ejemplo, esta moneda con la cara de Jano grabado. Se trata de una reproducción de las antiguas monedas romanas, que se regalaban para el nuevo año, porque el dios Jano tenía para los romanos durante esta fecha un papel muy importante. El autor Ovidio, en su obra Fastos, trata de captar el calendario romano, hablando acerca de cómo el dios Jano explica las costumbres del día durante el 1 de enero. El mes de enero (Ianuarius) fue dedicado al dios Jano, que mira hacia atrás y hacia adelante, a finales de año y principios del siguiente. Jano, conocido como el dios de todos los comienzos. Ovidio escribió una invocación a Jano: «Tú que tienes las dos caras y el año empiezas en silencio, único entre los espíritus que ve detrás».

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Moneda griega del Dios Jano. Ø: 6cm
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De tiendas por los mejores museos del mundo

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De tiendas por los mejores museos del mundo.

Los viajes nos ofrecen la posibilidad de adentrarnos en las riquezas artísticas que albergan los museos de las diferentes ciudades que visitamos.
Al recorrer sus salas, hay algunas de sus obras que nos impactan de tal manera que si pudiesemos nos las "llevariamos a casa" .
Su belleza y las sensaciones que experimentamos ante la perfección y expresión de las obras, nos gustaría poder seguir contemplandola más a menudo y pensamos "que bien quedaría  en ese rincón de mi hogar". Y cuando finaliza nuestra visita, siempre nos detenemos en las tiendas, para intentar adquirir algún recuerdo o reproducción de esa obra que "nos llevaríamos a casa".  Pero pesa mucho, es muy grande, el coste es elevado, la maleta es pequeña, etc. etc.
El arte en todas sus expresiones siempre tiene un espacio, no solo en nuestro corazón y en nuestra mente. En el lugar donde encontramos la paz y el sosiego que es nuestro hogar, también deseamos hacer un espacio para traer a nuestro presente esas sensaciones que tuvimos cuando admiramos esa obra que quedo grabada en nuestra memoria, ante esas magnificas expresiones de Arte que tantos genios a lo largo de la historia fueron capaces de plasmar y que hoy gracias a el buen hacer de estas instituciones, aquellos amantes del Arte y la Belleza podemos contemplar. Y si, en ese espacio intimo que es nuestro hogar podemos recrear ese arte admirado en las salas de un Museo. Pasear por las "salas" -páginas- de Decorarconarte.com  es tener a  nuestra disposición una amplia colección de todas las culturas, reproducciones de los mas importantes museos del mundo, donde podemos adquirirlas sin movernos de casa.".
Es una magnifica opotunidad.

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El Rapto de las Sabinas

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El Rapto de las Sabinas es una escultura realizada en mármol en el año 1583 por Giambologna (Juan de Bolonia) escultor franco-flamenco que estaba activo en Florencia durante el siglo XVI. La escultura era parte de la colección ducal de La Loggia y está situado en la Piazza della Signoria de Florencia. Esta escultura está inspirada en el Rapto de las Sabinas, un episodio mitológico que describe el secuestro de las mujeres de la tribu de los sabinos por los fundadores de Roma.

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Esculturas femeninas del museo Británico

Las esculturas de la silueta femenina son una de las características de la exposición del arte de la Edad de Hielo, titulada "La llegada de la mente moderna". En este video, la comisario Jill Cook y la artista Ghislaine Howard exploran estas representaciones de mujeres de la edad de hielo y el arte contemporáneo.

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León Veneciano I. Escultura. 47x42cm

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Una de nuestras últimas innovaciones en Decorarconarte son esculturas hechas a mano en Alabastro moldeado con gran precisión recreando así diseños impresionantes. Estas esculturas tienen un acabado único en pinturas al óleo, con una pátina de envejecimiento y / o con dorados en pan de oro. Una de estas esculturas es este León veneciano, que es una reproducción clásica inspirada en los leones ornamentales que soportan los pilares del púlpito de la catedral de Ravello.

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Obras de las Civilizaciones Clásicas

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Godward era un neo-clasicista victoriano, y por lo tanto un seguidor de las obras de Frederic Leighton, quien se centró en temática histórica, bíblica y clásica. Sus obras se acercan más estilísticamente a Sir Lawrence Alma-Tadema, quien es conocido por sus cuadros suntuosas inspirados en el mundo antiguo y con quien compartía el gusto por la interpretación de la arquitectura clásica, en particular, restos de edificios construidos en mármol.

La mayoría de las pinturas existentes de Godward muestra mujeres con vestidos clásicos, planteado en los paisajes mencionados, aunque también se incluyen algunas representaciones semi-desnudas y completamente desnudas en sus obras (Un ejemplo notable es el "Tepidarium" (1913), que comparte su título con una pintura polémica de Alma-Tadema de la misma temática, que reside en la Galería de Arte de Lady Lever).

Los títulos de las obras de Godward reflejan la fuente de su inspiración: Las civilizaciones clásicas, notablemente más la antigua Roma, que conecta Godward estrechamente con Alma-Tadema, y en ocasiones la antigua Grecia que lo conecta artísticamente, pero en un grado más limitado con Frederic Leighton.

Puede adquirir lienzos de Godword aqui:
http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ViewObjectPath=%2FShops%2F61552482%2FCategories%2FLienzos%2FGodward

Puede adquirir lienzos de Alma-Tadema aqui:
http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ViewObjectPath=%2FShops%2F61552482%2FCategories%2FLienzos%2FAlma-Tadema

Puede adquirir lienzos de Frederic Leighton aqui:
http://www.decorarconarte.com/epages/61552482.sf/es_ES/?ViewObjectPath=%2FShops%2F61552482%2FCategories%2FLienzos%2F%22Frederic%20Leighton%22

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La belleza del jardín neoclásico estilo inglés

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jardin-neoclasico-2

En el Jardín Neoclasico de tipo Ingles. nos encontramos en su diseño  introducido el concepto de lo idílico. Incluye un variado número de elementos románticos, caminos tortuosos. Se conservan las características naturales del terreno, realzando su natural belleza. También participan en la decoración elementos arquitectónicos, esculturas, lagos, estanques y   pequeños palacetes y espacios que guardan el sabor de lo idílico.
Pasear por un Jardín neoclasico es un placer que pocas palabras hay para describir.  Penetrar en un espacio verde de tan refinada arquitectura es un verdadero lujo para aquellos que aprecian la Naturaleza en sus diferentes formas de expresión.
Nos podemos encontrar desde rincones en los que la piedra natural, tallada por magníficos artistas nos habla de arquetipos de belleza humana tanto femeninos como masculinos.  En nuestra ruta a traves de este magnifico espacio nos atrae el sonido del agua cantarina que brota de magníficos grifos, descansando en pilares y lagos y que proporciona serenidad y energía constante a aquel que los contempla y sin poder evitarlo moja sus manos en ese agua de voz limpia y transparente.
Y el verde que rodea sus magnificas plazas dibujando de manera simbólica y casi mágica formas, que hacen al caminante del jardín, imaginarse Teseo en busca del Minotauro.

Sus silenciosas esculturas mantienen entre si un secreto diálogo que nos hace viajar, a veces  por nuestro propio espacio interior  y encontrarnos con aquello que soñamos Ser, descubrir la energía precisa que utilizar para ponernos en marcha y encontrar el instrumento que nos haga vencer las dificultades para poder llegar a la meta propuesta.



 

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18 de mayo, día internacional de los museos.

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En el día internacional de los Museos, desde Decorarconarte queremos unirnos a este homenaje.
¿Que es un Museo? podría preguntarse un niño. Y desde la inocencia de un niño queremos penetrar en el porqué de estos magníficos espacios que en casi todas las grandes ciudades podemos encontrarnos. Ubicados en algunos casos en hermosos edificios de estilos arquitectónicos de lo más variado, que no dejan indiferente al ciudadano de esa ciudad o al turista investigador y curioso.
Cuando nos introducimos en uno de estos magníficos espacios a los que llamamos Museo, es como si de pronto nos transportaramos a otro momento, a otro espacio en el tiempo. Según la imaginación de cada quien podemos imaginarnos al pintor, al escultor, al alfarero, al obrero y en general a los artistas  trabajando para culminar sus obras, que hoy siguen vivas. Algunas solo vestigios de ellas, pero  que nos permiten percibir el aroma del esplendor de esas magnificas obras; de las vidas de aquellos que hicieron realidad esos colosos del Arte y que forman parte de nuestra historia, de nuestra memoria.
Visitar un Museo, es tratar de conocer nuestro pasado, es tratar de reconocer la experiencia que nos sirve de base en el hoy y la que nos inspirara para un mañana. De hacer crecer nuestra imaginación soñando un futuro también lleno de esplendor.
Generalmente todos tenemos un lugar especial donde "refugiamos" pequeños retazos de nuestra vida y volvemos a ellos de vez en cuando y nos llena de añoranza y alegria el contemplarlos. Visitar una Museo es como abrir el ese pequeño "cofre de tesoros" de nuestra existencia pero con una particular cualidad, que es un cofre que no es solo nuestro, sino que es de la humanidad entera. ¡que maravilla! poder reconocer nuestro pasado e impulsarnos hacia el futuro gracias a un recorrido por los orígenes de la Humanidad.
Y así como niños que se preguntan ¿que es un Museo? tratamos desde nuestra ventana abierta al Arte que es nuestro espacio web, de rendir un homenaje a los Museos, esos espacios que no son de uno o de otro sino que son de la Humanidad.
 Y para aquellos que no tienen oportunidad de poder visitarlos que puedan apreciar la belleza que guardan tantas y tantas piezas en sus vitrinas, que las acerquen a sus hogares y ¿porque no? las tengan en un lugar especial como ese lugar especial que es el "cofre de tesoros".

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Ménade con espada y cordero. 67x50cm

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De la ménade hay varias representaciones en relieve que podemos encontrar en museos como el Prado o el Museo Británico, las Ménades son seres femeninos divinos que están estrechamente relacionados con el dios Dioniso (Baco para los romanos), el dios supuestamente fue originado por Tracia y Frigia. Las primeras ménades fueron las ninfas que eran responsables de la crianza de Dionisio, y que posteriormente fueron poseídos por él, que les ha inspirado una locura mística.

Las Ménades contrastan con las Bacantes o Bassarids, mujeres mortales que emulan las ménades, participando en el culto orgiástico de Dionisio. En muchas fuentes las Ménades y las Bacantes son sinónimos, entendiendo que la bacante es el significado latino de ménade.

Aquí, por ejemplo, tenemos un bajorrelieve policromado realizado en alabastro de una ménade frenética que balancea cuchillo y con la parte trasera de una cabra desmembrado en su mano izquierda. La pieza está inspirada en una copia romana de un original griego del siglo cuarto antes de Cristo, el cual se encuentra el Museo Británico de Londres.

Ménade con espada y cordero. 67x50cm

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Creamos nuestro entorno con el arte y él nos crea a su vez a nosotros

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El arte es mucho más que un complemento decorativo en nuestras 
vidas. Nosotros creamos nuestro entorno y a la vez éste nos moldea a nosotros mismos.
Si, como decían los clásicos, hay un estrecho vínculo entre lo bello, lo justo y lo verdadero, rodearse de armonía y belleza no hace sino desarrollar nuestro carácter hacia la convivencia, la riqueza de pensamiento, la serenidad y el bien.

Arte-belleza-y-entorno

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