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Las tres gracias. La triada de la belleza.

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Las tres Gracias.

           

            “Y Eurinome, la ninfa, que tenia una belleza perfecta, dio a luz a las tres cárites de hermosas mejillas: Áglea, Eufrosina y la amable Talía. Y emanando de sus párpados, enervan la fuerza del deseo; y bajo sus cejas, son dulces sus ojos”.

 

Vivían en el Olimpo, donde solían frecuentar la compañía de las musas, Afrodita, Apolo o Eros. La representación más habitual de las gracias era la de tres jóvenes de excepcional belleza que danzan al son de la flauta de Apolo, aunque en ocasiones pueden aparecer con faunos y sátiros, como contraste entre la belleza de unas y la fealdad de otros. Además, las Gracias no aparecían nunca de forma individual, siempre conformaban una tríada.

 

Las Cárites; Fresco de Pompeya.

Durante el periodo más antiguo, tanto escultores como pintores las representaban cubiertas. Quién fue el que primero que representó desnudas a las Cárites, en escultura o en pintura, no puede ser descubierto.  En el santuario de Nemeses, por ejemplo, encontramos Las Cárites de Oro obra de Bupalo; y en el teatro de esa misma ciudad hay un retrato de una Gracia realizado por Apeles. También en Pérgamo encontramos, en el interior de la cámara de Átalo, otras imágenes de las Cárites también realizada por Apeles. El mismo Sócrates hizo imágenes de las Gracias para los atenienses, las cuales están situadas en la entrada a la Acrópolis. En común, todas estas representaciones reflejan a las Cárites cubiertas, abriendo todo un debate del por qué son los artistas posteriores los que deciden desnudarlas en sus obras.

 

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Las Tres Gracias; Rafael Sanzio de Urbino. (1505)
Museo Condé, Cahantilly, Francia.

 

En todas sus versiones descubrimos que las representaciones de Las tres Gracias nos hacen llegar una imagen sobre el tipo de mujer de cada momento. El hecho de que éstos personajes estén presentes en todas las épocas de la historia del arte, hacen que se genere toda una variedad de imágenes y estéticas diferentes, toda una cronología de más de 2000 años.

Rafael representa el ideal de belleza del Renacimiento, un cuadro del que emana pureza y elegancia al mismo tiempo. Cada una de ellas se apoya en la otra y cada una porta en su mano una manzana, algo relacionado con sus funciones según los griegos:

“...ejercen sobre nosotros una dualidad maravillosa, ya que en nuestro trabajo interior, por un lado nos auxilian y por el otro nos someten a las tentaciones: ellas nos abren la puerta de la tentación para entrenarnos, para educarnos, solo así brotarán en nosotros las virtudes del alma”.             

 

 Encontramos, tan solo medio siglo después, una visión un tanto diferente; sólidamente modeladas, semejan habitantes fantásticos de un bosque iluminado por la luna. Una de ellas lee absorta un libro junto a un laurel, mientras sus compañeras dirigen una significativa mirada hacia la derecha. Las acompañan tres amorcillos, uno de ellos con una partitura y un cisne, ave asociada desde la Antigüedad a la música. Los instrumentos de cuerda representan la armonía con la naturaleza y la serpiente enroscada en el laurel el pecado. La escena es una alegoría de la inocencia de la Edad de Oro, donde el hombre aspira a la inmortalidad a través de la música y de la poesía, que están constantemente amenazadas por el pecado. Esta obra va emparejada con Las Edades y la Muerte.

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La armonía; Hans Baldung Grien. (1544). Museo del Prado, Madrid.

En la escultura también podemos encontrar tanto representaciones clásicas como modernas. Desde una escultura griega de Las Tres Gracias que se encuentra en el Louvre, hasta la representación neoclásica del afamado escultor Antonio Canova.

Dado que han sido muchas personas las que desde tiempos remotos han hablado sobre estos tres personajes y han sido versionados y reinterpretado continuamente en todas las ramas del arte, no se puede asegurar a ciencia exacta cuales eran las cualidades de cada una de ellas, pero sí se sabe que, además de ser diosas, cada una contaba con una característica especial, como por ejemplo el buen gusto, la jovialidad o el esplendor. Son estas cualidades las que en muchas ocasiones las han situados como fieles símbolos de todo lo relacionado con el arte, siendo “patronas” de la poesía o la música, pues otorgaban a dioses y mortales la alegría así como la elocuencia y la sabiduría y tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad y el talento necesarios para ser un brillante artista.

 Hoy en día, Las Cárites, dadoras del talento, siguen dotando a los artistas de la inspiración creadora que, a través de las nuevas expresiones en el arte de nuestros días, las inmortalizan envueltas de la siempre mágica mitología.

            

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Antonio Canova. La escultura hecha realidad.

Carolus-Duran_1838-1917._Hebe_1874Antonio Canova. La escultura hecha realidad.

Posiblemente la escultura es, entre muchas artes, la menos reconocida y alabada por el público ya que, en muchas ocasiones, la sustituimos por la pintura o la fotografía. ¿Vemos la realidad mejor representada en una foto que en una escultura? La respuesta debería ser, como en muchos casos de la vida: “depende”.

Antonio Canova es, sin lugar a dudas, uno de los mejores escultores de todos los tiempos. Italiano, nació en un pequeño pueblo de la región de Véneto llamado Possagno, de apenas unos 2500 habitantes en la actualidad, donde se encuentra un museo dedicado a su obra. Desde niño comenzó a jugar en el taller de su abuelo quien, tras descubrir el talento del pequeño, no dudó en motivarlo encargándole algunos trabajos menores, en este caso altares. Su abuelo estaba patrocinado por la acaudalada familia Falier de Venecia y, a la vista de las aptitudes del joven Canova, el senador Giovanni Falier se convirtió en su protector. Pronto sus obras fueron elogiadas por su virtuosismo precoz y recibió los primeros encargos.

A la corta edad de 22 años se trasladó a Roma, centro de todo artista del momento que quisiera aspirar a la fama. La ciudad italiana era un gran museo en pleno apogeo, plagada de monumentos antiguos y grandes colecciones; era el lugar donde conformarían el neoclasicismo y, además, donde se encontraban la mayoría de las copias auténticas para estudiar de primera mano la producción artística de la época clásica.

 

Carolus-Duran_1838-1917._Hebe_1874

Rostros de "Las tres gracias"; Museo del Ermitage, San Petersburgo.

 

Siempre amante del arte antiguo, adoraba también la literatura clásica, la cual leía mientras realizaba sus esculturas, en incluso encargaba que alguien leyera para él. Este amor por lo clásico marcaría toda su carrera como escultor. El movimiento neoclásico no sólo supone un regreso a la Antigüedad en cuanto a temas, sino también en lo referente a las formas. El mármol y el bronce fueron la carne de los antiguos héroes, mostrando unos volúmenes suaves y, a su vez, detallados.

A pesar de sus condecoraciones y prestigios dados cuando alcanzó la fama, nunca mostró, según biografías, que el deseo de gloria personal fuese su principal objetivo. Gastó gran parte de la fortuna que llegó a acumular en obras de caridad, promoción para asociaciones y apoyo a los jóvenes artistas. En ocasiones, compró obras de arte para los museos públicos con sus propios fondos, además de colecciones de libros para bibliotecas, teniendo que ser advertido por sus más cercanos de que no gastara en demasía sus ingresos en problemas ajenos.

 

      “La forma no es la representación física de la cosa, sino la cosa sublimada, incorporada al plano de la experiencia sensorial y al plano del pensamiento. Así, Canova realiza en el arte esa misma transformación de la sensación en idealismo que, en el campo filosófico lleva a cabo Kant, en la literatura Goethe y en la música Beethoven”.

 

Giulio Argan

 

Mostrando así su ideal de belleza, Antonio Canova representa un antes y un después en la escultura. Sus obras más aclamadas son fruto de una incansable iniciativa en su trabajo, se sabe de relatos de sus cercanos que durante su juventud nunca se iba a la cama sin haber diseñado, al menos, un nuevo proyecto. Esbozaba primero sobre papel un dibujo sobre la idea y luego creaba personalmente un prototipo de pequeñas proporciones en arcilla o cera, a partir del cual podía corregir la idea original.

 

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Detalle de "Psique reanimada por el beso del amor";  Museo del Louvre, París.

Forjaba así detalles minuciosos no muy propios de su época que hicieron de su producción algo único. En sus biografías se le declara un hombre muy cercano y en una entrevista sobre su trabajo así lo demuestra: “No hay nada más precioso para mí que el tiempo (…) sin embargo, cuando estoy terminando un trabajo y cuando se ha finalizado, siempre lo retomaría de nuevo y también otra vez después si fuera posible, porque la fama no está en la cantidad, sino en pocos y bien hechos; procuro encontrar en la materia un no-se-qué de espiritual que le sirva de alma, la pura imitación de la forma se convierte para mi en muerte, tengo que ayudarla con el intelecto y volver noble estas formas con la inspiración, simplemente porque me gustaría que tuvieran una apariencia de vida”.

Son estos detalles en sus trabajos por lo que podemos decir que Canova rompe con lo “visto” hasta el momento, sus esculturas evocan el tacto, la suavidad, el “calor” del mármol vivo. Quizá nos pueda recordar a la leyenda de Pigmalión, quien enamorado de una de sus estatuas soñó que esta cobraba vida, deseo llevado a cabo por la diosa Afrodita cuando éste derpertó.

La escultura, en este caso, sobrepasa los límites de lo visual. Rompe las dimensiones que observamos en una fotografía, se convierte en realidad. Tal vez si nos encontráramos frente a una de sus maravillosas obras creeríamos que las cárites (Las tres gracias) romperían su abrazo para proseguir con la función de entretener a los invitados en los banquetes de los dioses; o que, en otro caso, Psique acariciaría suavemente a Eros y, de un momento a otro, éste podría levantar el vuelo con sus delicadas alas hacia el Olimpo.

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Una visita que no hay que perderse: El Taller - restaurante de Antonio Canova

 

En via babuino de Roma se encuentra un restaurante muy especial, único en el mundo, se trata del taller de escultura donde Antonio Canova trabajó con uno de sus mejores discípulos.

De una elegancia neoclasica han conservado gran parte del abigarrada disposición de modelos y obras. Su visita es obligada si van a Roma.

Sin duda se trata de una singular idea para lograr unir el arte y la rentabilidad económica. Un idea para inspirarse, en estos tiempos donde se necesitan iniciativas y emprendedores con sentido de la distinción... Si alguien se anima cuenta con nuestro apoyo.

 

Ver pagina web y visita virtual :

http://www.canovatadolini.com/index.php?t=2

http://www.immersive.it/virtualtour/ristoranti/canovatadolini/mobile/tour_eng.html

   

   

 

 

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